Traditionell zeigen wir jedes Jahr eine Mischung aus verschiedenen Künstlern aus unserem Programm und einigen ausgewählten Gästen.
Traditionally, we show a mixture of different artists from our programme and some selected guests every year.
Cigdem Aky
Michelle Concepcíon
Mario Dalpra
Anna-Lena Huber
Sebastian Menzke
Sissa Micheli
Diego Palacios
Tom Richter
Hans Schüle
Kirk Sora
Willi Siber
Eröffnung
Samstag, den 11. Juni 2022
20 Uhr–23 Uhr
20:30 Uhr Künstlergespräch
Öffnungszeiten
Donnerstag–Samstag 13 Uhr–18 Uhr
und jederzeit nach Vereinbarung
Virtueller Rundgang ↓
Sissa Micheli - Fotografie
Thomas Riess - Malerei
Willkommen in der Realität! Ja wir leben darin! Betrachtet man die momentane globale Entwicklung, so stellt man jedoch unweigerlich fest, dass wir massiven weltweiten Umbrüchen unterworfen sind und sie nehmen mittlerweile derart an Fahrt auf, dass sie kaum noch in ihrer Gesamtheit erfasst werden können. Aber wir sind doch alle Realisten! Oder doch nicht? Ein über die Jahre immer fester und sicher geformtes Narrativ unserer Alltagswelt, das wir bisher reflektiert überblicken konnten, wird mitunter in kürzester Zeit ins Gegenteil verkehrt und erzeugt zeitweilen kognitive Dissonanzen. So ist das was noch vor wenigen Jahren als undenkbar galt, mittlerweile neue Realität. Gesellschaftliche Umbrüche, soziale Umstrukturierungen, persönliche Veränderungen sind in den Mittelpunkt unseres Denkens, Handelns und unseres Alltages gerückt.
Doch was ist Realität? Gibt es sie? Wie wird Realität wahrgenommen? Wie sehen/erleben wir sie? Und vor allem, wie interpretieren wir sie? Dementsprechend ist auch der Identitätsbegriff massiven Veränderungen unterworfen. Früher war er sowohl im Kollektiven als auch im Individuellen klassisch familiär, beruflich und religiös zugeordnet. Heute jedoch treten - real wie virtuell - eine Vielzahl frei gewählte wie zugewiesene Gruppenzugehörigkeiten in Konkurrenz. Diese Pluralität manifestiert sich nicht bloß über festgelegte Attribute wie ethnische Zugehörigkeit, Klasse und Geschlecht, sondern auch über Handlungen und Geschmacksurteile, also z.B. Konsumverhalten, Selbstrepräsentation und Wertvorstellungen.
Sissa Micheli und Thomas Riess setzen sich mit diesem Thema auseinander. Sie beschäftigen sich mit gesellschaftskritischen Themen wie Fremd- und Selbstbestimmung, Manipulation, dem Verlust von Identität, Kontrolle, Überwachung und dem Versuch der Unabhängigkeit der eigenen Individualität. Dabei unterstreichen sie die inhärente Subjektivität aller Kunst und die Bedeutung von Authentizität.
Wenn auch beide sich unterschiedlicher künstlerischen Umsetzungsarten bedienen, bildet die medienreflexive Auseinandersetzung mit der Fotografie in mannigfaltiger Form die Grundlage. Gemein ist ihnen eine vielschichtige Arbeit - entweder in Form von fotografischen Faltungen und Objektarrangements (Micheli) oder in Form von Malerei und Mixed Media-Arbeiten (Riess).
Alle beide Künstlerpersönlichkeiten setzen sich mit gängigen Wahrnehmungsbegriffen auseinander.
Sissa Micheli - Photography
Thomas Riess - Painting
Welcome to reality! Yes, we live in it! But if you look at current global developments, you inevitably realise that we are facing massive upheavals all over the world, and these are now gathering momentum to such an extent that they are almost impossible to grasp in their entirety. But we are all realists! Or are we not? A narrative of our everyday world, which has become more and more entrenched over the years and which we were previously able to survey in a reflective manner, is sometimes turned upside down in a very short time and sometimes creates cognitive dissonance. Thus, what was considered unthinkable just a few years ago is now a new reality. Social upheavals, social restructuring, personal changes have moved to the centre of our thoughts, actions and everyday life.
But what is reality? Does it exist? How is reality perceived? How do we see/experience it? And above all: how do we interpret it? Accordingly, the concept of identity is also subject to massive changes. In the past, it was classically assigned to the family, the profession and religion, both collectively and individually. Today, on the other hand, a multitude of freely chosen and assigned group affiliations compete - both real and virtual. This plurality manifests itself not only through fixed attributes such as ethnicity, class and gender, but also through actions and judgements of taste, e.g. consumer behaviour, self-expression and values.
Sissa Micheli and Thomas Riess deal with this topic. They deal with socio-critical themes such as heteronomy and self-determination, manipulation, loss of identity, control, surveillance and the attempt at independence of one's own individuality. In doing so, they emphasise the subjectivity inherent in all art and the importance of authenticity.
Even though both make use of different artistic forms of realisation, the media-reflective examination of photography in its many forms is the basis. What they have in common is a multi-layered oeuvre - either in the form of photographic foldings and object arrangements (Micheli) or in the form of painting and mixed media (Riess).
All artist personalities deal with common concepts of perception.
Sissa Micheli
Die in Wien lebende Künstlerin erweitert den Begriff von Sein und Schein, indem sie ihn um den zeitlichen Faktor erweitert. Sie schafft durch ihre inszenierten Fotografie Interventionen ein Einfrieren eines zeitlichen Momentes, das dem Betrachter als logisch-real erscheint, auch wenn es mit seinem Sehvermögen nicht nachvollziehbar ist. So wird eine Vergänglichkeit ästhetisiert, die in der Realität nicht wahrnehmbar ist.
1975 in Bruneck, (IT)geboren; lebt und arbeitet in Wien; 2000-2002 Schule für künstlerische Fotografie, Wien; 2002-2007 Diplomstudium an der Akademie der bildende Künste Wien; 2008 Preis der Akademie, Wien; 2009 BMUKK Atelierstipendium – Cité Internationale des Arts Paris; 2013 BKA Atelierstipendium – London; 2015 Staatsstipendium für künstlerische Fotografie; 2016 Südtiroler Künstler/in des Jahres HGV und SKB; Zahlreiche Ausstellungen, Messen und Publikationen im In- und Ausland; vertretung in zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen
Sisal Micheli ist Gastkünstlerin unserer Galerie.
The Vienna-based artist expands the concept of being and appearances to include the factor of time. Through her staged photographic interventions, she creates a freezing of a temporal moment that appears logically real to the viewer, even if it is not comprehensible to his eyesight. In this way, a transience is aestheticised that is not perceptible in reality.
Born 1975 in Bruneck, (IT); lives and works in Vienna; 2000-2002 School of Artistic Photography, Vienna; 2002-2007 diploma studies at the Academy of Fine Arts Vienna; 2008 Prize of the Academy, Vienna; 2009 BMUKK Studio Grant - Cité Internationale des Arts Paris; 2013 BKA Studio Grant - London; 2015 State Grant for Artistic Photography; 2016 South Tyrolean Artist of the Year HGV and SKB; numerous exhibitions, fairs and publications in Austria and abroad; represented in numerous public and private collections.
Sisal Micheli is a guest artist of our gallery.
Werke von Sissa Micheli / Works by Sissa Micheli
Thomas Riess
verknüpft reale Abbilder malerisch mit abstrakt/gegenstandslosen Irritationen. Durch das bewusste Zusammenfügen der beiden Komponenten vermischen sich diese durch das assoziative Denken des Betrachters in einem narrativen Prozess. Sein (im Sinne des uns gewohnten Realitätsverständnisses) vermischt sich mit dem Schein der durch den Künstler erzeugten abstrakten (nicht realen) Bilderwelt zu einer neuen “Bildrealität”. Auch in seinen Mixed Media-Arbeiten wird vorhandenes Bildmaterial durch Übermalung verändert. Mittels Collagierung werden unterschiedliche Komponenten miteinander in Verbindung gebracht und so die Lesbarkeit des Bildmaterials modifiziert.
1970 geboren in Tirol; lebt und arbeitet in Wien; 1995 Studium an der Universität Mozarteum Salzburg, Klasse für Graphik und visuelle Medien; 2001 Diplom; 2009-12 the @rtist’s kitchen, artist’s residence in Wien, Soravia Group ; 2010 Artist in Residence Paliano/Rom, Stipendium des Landes Tirol ; 2 010 Artist in Residence, Kunstquartier Hotel Hospiz (AUT); 2009 Kunstsymposium Medulin; 2001 Artist in Residence Paliano/Rom, Stipendium des Landes Tirol; 1999 Internationale Sommerakademie Salzburg, Stipendium des Landes Salzburg; Zahlreiche Ausstellungen, Biennalen, Messen und Publikationen im In- und Ausland; Vertretung in zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen
Thomas Riess wird seit 2015 durch unserer Galerie vertreten.
Riess links realistically painted images with abstract irritations. By deliberately merging the two components, the associative thinking of the viewer mixes them in a narrative process. Being (in the sense of our usual understanding of reality) mixes with the appearance of the abstract (non-real) pictorial world created by the artist to form a new "pictorial reality". In his mixed media works, too, existing pictorial material is changed by painting over it. By means of collage, different components are brought into connection with each other, thus changing the readability of the pictorial material.
1970 born in Tyrol; lives and works in Vienna; 1995 studies at the University Mozarteum Salzburg, class for graphic and visual media; 2001 diploma; 2009-12 the @rtist's kitchen, artist residency in Vienna, Soravia Group; 2010 Artist in Residence Paliano/Rome, scholarship of the Province of Tyrol; 2 010 Artist in Residence, Kunstquartier Hotel Hospiz (AUT); 2009 Art Symposium Medulin; 2001 Artist in Residence Paliano/Rome, scholarship of the Province of Tyrol; 1999 International Summer Academy Salzburg, scholarship of the Province of Salzburg; numerous exhibitions, biennials, fairs and publications at home and abroad; representation in numerous public and private collections.
Thomas Riess has been represented by our gallery since 2015.
Werke von Thomas Riess / Works by Thomas Riess
Eröffnung
Samstag, den 7. Mai 2022
In der Zeit von 20 Uhr–23 Uhr
20:30 Uhr Künstlergespräch
16–18 Uhr Preview
Die Künstlerin ist anwesend
Öffnungszeiten
Donnerstag–Samstag 11 Uhr–15 Uhr
und jederzeit nach Vereinbarung
07. Mai–04. Juni 2022
Virtueller Spaziergang durch die Ausstellung.
Virtual walk through the exhibition.
"Die Kunst von Concepción ist keine Kunst der Dinge, sondern ihrer Geister.“ Thyrza Nichols Goodeve
Die Welt der kleinsten Dinge ist für unsere Augen nicht fassbar. Sie würde für immer ein Rätsel bleiben, gäbe es nicht ganz besondere Geräte. Wer durch sie hindurchschaut, erlebt eine spannende Reise durch das Reich der kleinsten Lebewesen und Teilchen. Ich ver-mute, dass die meisten Menschen ihre Faszination kaum zügeln können, denn was wir sehen, können wir nicht begreifen.
Es ist schwer vorstellbar, wie weit wir in den Mikrokosmos vordringen können und wie winzig die Welt ist, die wir entdecken und finden könnten. Ist es möglich, dass wir an der wirklich letzten Grenze im Mikrokosmos eine Mauer durchbrechen und uns im Makrkosmos wiederfinden? Das ist eine Vorstellung, die mir eine Gänsehaut beschert. Ein ähnliches Gefühl überkommt mich, wenn ich die Bilder von Michelle Concepción betrachte. Sie lädt uns ein, uns die Welt der unsichtbaren Ereignisse vorzustellen, von denen wir ein Teil sind.
In dieser Ausstellung sehen wir Werke ver-schiedener Reihen und Jahre. Bestehend aus Malereien auf Leinwand und Holz sowie Tuschearbeiten hinter Glas. (Kristine Hamann)
"The art of concepción is not an art of things, but an art of their spirits". Thyrza Nichols Goodeve
The world of the tiniest things cannot be grasped by our eyes. It would forever remain a mystery were it not for very special devices. Those who look through them experience an exciting journey through the realm of the tiniest creatures and particles. I suspect that most people can hardly contain their fascination, because what we see we cannot comprehend.
It is hard to imagine how far we can penetrate into the microcosm and how tiny the world is that we might discover and find. Is it possible that at the really last frontier in the microcosm we break through a wall and meet ourselves in the macrocosm? It's a notion that gives me goosebumps. A similar feeling comes over me when I look at the pictures of Michelle Concepción. She invites us into the imagination of the world of invisible events of which we are a part.
In this exhibition we see works from different series and years, consisting of paintings on canvas and wood and ink works behind glass.
Foto: Peter Voigt
Foto: Peter Voigt
Acryl auf Leinwand
Tusche auf Papier gerahmt
Einzelausstellung
Galerie Kristine Hamann
Schweinsbrücke 11, 23966 Wismar
Samstag, den 2. April 2022
In der Zeit von 14 Uhr–18 Uhr
Die Künstlerin ist anwesend
Mittwoch–Freitag 13 Uhr–18 Uhr
Samstag 11 Uhr–15 Uhr
und jederzeit nach Vereinbarung
Ausstellung virtuell besuchen:
Navigation mit den Pfeiltasten.
“Konstruktion & Widerstand”
Die Umgebung ist offen und frei. Wir werden mit leuchtenden Farben konfrontiert, Neongelb, Orange und Pink. Linien und Formen brechen auseinander oder ziehen sich zusammen. Punktförmige Strukturen formatieren sich zu einer Architektur, die aus dem Gleichgewicht geraten zu sein scheint.
Bildräume füllen sich mit Tröpfchen, Linien, Schraffuren und Farbe. Alles scheint gleich und durchlässig, gleichzeitig historisch und gegenwärtig. Fiktion und Realität verbinden sich zu einem visuellen, kosmischen Destillat aus Computerspielästhetik, Street Art, Architektur sowie Medienreferenzen. Sofern man eine Assoziation zu haben scheint, schweift der Blick wieder zur reinen Form ab und löst sie auf. Eine Ordnung, ein System oder eine Zeit sind nicht zu erkennen.
Alle Bildbestandteile scheinen sich ihrer Konstruktion widersetzen zu wollen, wie auch der Titel der Ausstellung "Konstruktion und Widerstand" andeutet. Skizzenhafte Fragilität und Perfektion durchziehen alle Bilder von Marlet Heckhof auf wohltemperierte Weise. Das Ringen um die Setzung von Formen, Flächen und Linien findet auf der Leinwand statt und führt zu einer klassischen Malerei, die weder figurativ noch abstrakt eingeordnet werden kann.
Zugleich bildet die Unvollständigkeit der angedeuteten Motive die Grundlage für die Assoziation beim Betrachten. Heckhoff schöpft aus einem großen kunstgeschichtlichen Bildarchiv. Wir können in Marlets Bildern das Umdenken und Verschmelzen verschiedener Sehgewohnheiten und Stile entdecken.
Es ist sicher kein Zufall, dass wir in ihren Werken das leidenschaftliche Ringen um die Relevanz von Malerei und Skulptur sehen können. 2019 schließt die in Leipzig lebende Künstlerin ihr Meisterschülerstudium in der Klasse für Installation und Raum bei Prof. Joachim Blank an der HGB Leipzig ab.
Bevor sich Heckhoff der Kunst widmete, absolvierte die 1993 geborene Künstlerin eine Lehre als Tischlerin. Anschließend studierte sie "Freie Kunst" an der Bauhaus-Universität in Weimar und an der Bezalel Academy of Art in Jerusalem, Israel. 2015 schloss sie ihr Studium der Malerei an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig ab.
Folgen wir Marlet Heckhoff in die Matrix von Raum und Moment. (Text: Kristine Hamann)
“Construction & Resistance”
The environment is open and free. We are confronted with bright colours, neon yellow, orange and pink. Lines and shapes break apart or contract. Point-like structures format themselves into an architecture that seems to be out of balance.
Pictorial spaces fill with droplets, lines, hatchings and colour. Everything seems the same and permeable, simultaneously historical and present. Fiction and reality combine to form a visual, cosmic distillate of computer game aesthetics, street art, architecture as well as media references. Insofar as one seems to have an association, the gaze wanders back to pure form and dissolves it. An order, a system or a time cannot be discerned.
All the pictorial components seem to want to resist their construction, as the title of the exhibition "Construction and Resistance" also suggests. Sketchy fragility and perfection pervade all of Marlet Heckhof's paintings in a well-tempered way. The struggle to set forms, surfaces and lines takes place on the canvas and leads to a classical painting that can neither be classified as figurative nor abstract.
At the same time, the incompleteness of the implied motifs forms the basis for association when viewing. Heckhoff draws on a large archive of images from art history. We can discover in Marlet's pictures the rethinking and merging of different visual habits and styles.
It is surely no coincidence that we can see in her works the passionate struggle for the relevance of painting and sculpture. In 2019, the Leipzig-based artist will complete her master class studies in the class for installation and space with Prof. Joachim Blank at the HGB Leipzig.
Before Heckhoff devoted herself to art, the artist, who was born in 1993, completed an apprenticeship as a carpenter. She then studied "Free Art" at the Bauhaus University in Weimar and at the Bezalel Academy of Art in Jerusalem, Israel. In 2015, she completed her studies in painting at the Leipzig Academy of Visual Arts.
Let's follow Marlet Heckhoff into the matrix of space and moment. (Words: Kristine Hamann)
In unserm Wintersalon zeigen wir - neben unseren Stammkünstlern -Künstler, die wir noch nicht ausgestellt haben.
Die Hängung bleibt im Ausstellungszeitraum flexibel und dynamisch.
Mehr Infos folgen in Kürze.
In our Wintersalon we show - in addition to our regular artists - artists that we have not yet exhibited. The hanging remains flexible and dynamic during the exhibition period.
More information will follow soon.
Nach Terminvereinbarung:
☎︎ +49 (0)176 34 96 83 36
galeriehamann@googlemail.com
Wir machen auch gerne Gruppenführungen nach Terminvereinbarung.
Dann gilt 2G+
Daniel Sambo Richter
The Fate of the Orchid (Kristina Söderbaum I), 2020
Öl auf Leinwand, 70 x 50 cm
4.000 €
Sebastian Menzke
Mixed Media
Daniel Sambo Richter
Spiegelung, 2017
Öl auf Papier, 63,2 x 48,2 cm
Inkl. Rahmung weiß,
2.800 €
Cigdem Aky
links. “Magic”
rechts: “Miami C.”
Acryl und Öl auf Leinwand, je 30 x 24 cm
je 1.350 €
Barbara Reck Irmler
”rose”
Textil, Schichtholz, 59 x 46 x 2,5 cm
1.200 €
Eugen Kunkel
”In den Dünen"V”, 2018
Acryl auf Holz
, 60 x 45 cm
1.990 €
Marlet Heckhoff
Acryl auf Leinwand
Chris Nau
Öl auf Leinwand,
Marlet Heckhoff
”Sunset”, 2019
Acryl auf Leinwand, 26 x 75 cm
1.500 €
Kernöffnungszeiten:
Mo + Do 11 Uhr–17 Uhr und gerne individuell nach Absprache (empfohlen).
Regelung 2G
Wir machen auch gerne Gruppenführungen nach Terminvereinbarung.
Dann gilt 2G+
Im „kleinen Saal“ präsentiert die Galerie neue Werke des Augsburger Künstlers Christofer Kochs in Form einer Soloshow. In den anderen Räumlichkeiten stellt die Galeristin ihre Neuentdeckung vor, die amerikanische Künstlerin Michelle Concepción. Ergänzend werden dort Skulpturen von Mario Dalpra (Wien), neue Werke von Sebastian Menzke (Berlin) und Cigdem Aky (München) gezeigt.
Christofer Kochs wurde 1969 in Osnabrück geboren. Er studierte an der Münchener Kunstakademie und erhielt seitdem unzählige Preise, Stipendien und Lehraufträge. Für seine Arbeiten verwendet er verschiedenste Materialien, Malmittel und Fundstücke. Das Bildgeschehen mutet rätselhaft an, fast surreal. Es fordert den Betrachter auf, in die eigene Vorstellungswelt hinabzutauchen auf der Suche nach inneren Bildern und Interpretationen. So bietet jedes Werk von Christofer Kochs einen Kosmos an Möglichkeiten, an potenziellen Erzählsträngen.
Die zeitgenössische Künstlerin Michelle Concepción ist für ihre abstrakten Gemälde und Zeichnungen bekannt. Ihre Arbeiten sind das Ergebnis von Forschung und Wissenschaft, Erkundung und Experiment, wobei sie stets die Grenzen der Materialien, mit denen sie arbeitet, auslotet. Die Künstlerin wurde 1970 in San Juan, Puerto Rico, geboren, wuchs in Miami auf und studierte von 1992–1995 an der Hochschule für Gestaltung, HFG, Offenbach, Germany, wo sie heute auch lebt.
In the "small room", the gallery presents new works by the Augsburg artist Christofer Kochs in the form of a solo show. In the other rooms, the gallery owner presents her new discovery, the American artist Michelle Concepción. In addition, sculptures by Mario Dalpra (Vienna), new works by Sebastian Menzke (Berlin) and Cigdem Aky (Munich) will be shown there.
Christofer Kochs was born in Osnabrück in 1969. He studied at the Munich Art Academy and has since received countless prizes, scholarships and teaching assignments. He uses a wide variety of materials, painting materials and found objects for his works. The pictorial events seem enigmatic, almost surreal. It invites the viewer to dive into his own world of imagination in search of inner images and interpretations. Thus, each work by Christofer Kochs offers a cosmos of possibilities, of potential narrative threads.
Contemporary artist Michelle Concepción is known for her abstract paintings and drawings. Her work is the result of research and science, exploration and experimentation, always exploring the limits of the materials she works with. The artist was born in 1970 in San Juan, Puerto Rico, grew up in Miami and studied at the Hochschule für Gestaltung, HFG, Offenbach, Germany, from 1992-1995, where she now lives.
Christofer Kochs ・„Wiedersehen mit der Gegenwart“
Lab
Kernöffnungszeiten:
Mo + Do 11 Uhr–17 Uhr und gerne individuell nach Absprache (empfohlen).
Regelung 2G
Wir machen auch gerne Gruppenführungen nach Terminvereinbarung.
Dann gilt 2G+
Im „kleinen Saal“ präsentiert die Galerie neue Werke des Augsburger Künstlers Christofer Kochs in Form einer Soloshow. In den anderen Räumlichkeiten stellt die Galeristin ihre Neuentdeckung vor, die amerikanische Künstlerin Michelle Concepción. Ergänzend werden dort Skulpturen von Mario Dalpra (Wien), neue Werke von Sebastian Menzke (Berlin) und Cigdem Aky (München) gezeigt.
Christofer Kochs wurde 1969 in Osnabrück geboren. Er studierte an der Münchener Kunstakademie und erhielt seitdem unzählige Preise, Stipendien und Lehraufträge. Für seine Arbeiten verwendet er verschiedenste Materialien, Malmittel und Fundstücke. Das Bildgeschehen mutet rätselhaft an, fast surreal. Es fordert den Betrachter auf, in die eigene Vorstellungswelt hinabzutauchen auf der Suche nach inneren Bildern und Interpretationen. So bietet jedes Werk von Christofer Kochs einen Kosmos an Möglichkeiten, an potenziellen Erzählsträngen.
Die zeitgenössische Künstlerin Michelle Concepción ist für ihre abstrakten Gemälde und Zeichnungen bekannt. Ihre Arbeiten sind das Ergebnis von Forschung und Wissenschaft, Erkundung und Experiment, wobei sie stets die Grenzen der Materialien, mit denen sie arbeitet, auslotet. Die Künstlerin wurde 1970 in San Juan, Puerto Rico, geboren, wuchs in Miami auf und studierte von 1992–1995 an der Hochschule für Gestaltung, HFG, Offenbach, Germany, wo sie heute auch lebt.
In the "small room", the gallery presents new works by the Augsburg artist Christofer Kochs in the form of a solo show. In the other rooms, the gallery owner presents her new discovery, the American artist Michelle Concepción. In addition, sculptures by Mario Dalpra (Vienna), new works by Sebastian Menzke (Berlin) and Cigdem Aky (Munich) will be shown there.
Christofer Kochs was born in Osnabrück in 1969. He studied at the Munich Art Academy and has since received countless prizes, scholarships and teaching assignments. He uses a wide variety of materials, painting materials and found objects for his works. The pictorial events seem enigmatic, almost surreal. It invites the viewer to dive into his own world of imagination in search of inner images and interpretations. Thus, each work by Christofer Kochs offers a cosmos of possibilities, of potential narrative threads.
Contemporary artist Michelle Concepción is known for her abstract paintings and drawings. Her work is the result of research and science, exploration and experimentation, always exploring the limits of the materials she works with. The artist was born in 1970 in San Juan, Puerto Rico, grew up in Miami and studied at the Hochschule für Gestaltung, HFG, Offenbach, Germany, from 1992-1995, where she now lives.
KUNSTMESSE IM MUSEUM VILLA ROT
Hoenes Stiftung
Schlossweg 2
88483 Burgrieden-Rot
GALERIE KRISTINE HAMANN
14.–17.10.2021
Preview & Vernissage
Donnerstag, 14.10.2021 I 15 Uhr–21 Uhr
Öffnungszeiten
Freitag, 15.10.2021 I 14 Uhr–18 Uhr
Samstag und Sonntag 16. / 17.10.2021 I 11 Uhr–18 Uhr
Cigdem Aky
Michelle Concepción
Mario Dalpra
Rayk Goetze
christian Hahn
Marlet Heckhoff
Sebastian Menzke
Thomas Ries
Kirk Sora
Daniel Sambo-Richter
Sambo & Sambo-Richter
Galerie Kristine Hamann I 04.–31. Oktober 2021
Galerie Kristine Hamann
Schweinsbrücke 11
23966 Wismar, Germany
T + 49 176 34 96 83 36
galeriehamann@googlemail.com
Daniel Sambo-Richter
Manuela Sambo
In den Salerooms finden Sie die verfügbaren Werke.
Vom 04.-31. Oktober präsentiert die Galerie Kristine Hamann zum ersten mal Werke des Künstlerpaares Sambo & Sambo-Richter.
Manuela Sambo ist In Luanda, Angola, geboren und aufgewachsen. 1984 kommt sie nach Leipzig, wo sie ein Studium der Germanistik absolviert. Parallel beginnt sie mit der künstlerischen Arbeit basierend auf der Auseinandersetzung mit ihrer eigenen Identität.
Das zentrale Thema ihrer Arbeit ist die Auseinandersetzung mit weiblicher Autonomie im Kontext von Fremdbestimmung und Gewaltherrschaft im weitesten Sinn. Für ihre Gemälde und Zeichnung nutzt die Künstlerin expressive Farben und findet dabei eine Symbiose von formalen Mitteln traditioneller afrikanischer Kunst und der westlichen Renaissance-Malerei. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Berlin.
Ihr Ehemann Daniel Sambo-Richter ist in Cottbus in einer Künstlerfamilie aufgewachsen. Zeitgleich zu einer handwerklichen Ausbildung absolviert er 1982–1985 in Cottbus das Förderstudium für Malerei und Grafik an der Hochschule für Bildende Künste Dresden.
In den 1990er Jahren gilt Sambo-Richters Aufmerksamkeit der abstrakten Kunst in Zeichnungen und Lackbildern, aber auch raumgreifenden Installationen.
Die Ausstellung zeigt einen breiten Querschnitt seines Werks. Von Landschaften über Porträts bis zu aktuellen abstrakten Werken stellen wir die Arbeiten des Berliner Künstlers vor.
In der Gemeinschaftsausstellung dieser beiden Künstler wird das Wechselspiel von europäischer und afrikanischer Kunst erlebbar.
Die Ausstellung ist Montags von 11 Uhr bis 16 Uhr und Donnerstags von 14 Uhr bis 18 Uhr geöffnet. Nach telefonischer Vereinbarung sind auch andere Termine möglich.
From 04 to 31 October, Kristine Hamann Gallery presents for the first time works by the artist couple Sambo & Sambo-Richter.
Manuela Sambo was born and raised in Luanda, Angola. In 1984 she comes to Leipzig, where she studies German language and literature. At the same time she starts an artistic work based on the confrontation with her own identity, her own origin and being a stranger in Europe.
The central theme of her work is the examination of female autonomy in the context of foreign domination and tyranny in the broadest sense. For her paintings and drawings, the artist uses expressive colors and finds a symbiosis of formal means of traditional African art and Western Renaissance painting. The artist lives and works in Berlin.
Her husband Daniel Sambo-Richter grew up in Cottbus in a family of artists. Parallel to a craft apprenticeship, he completed postgraduate studies in painting and graphic arts at the Dresden University of Fine Arts from 1982-1985.
In the 1990s, Sambo-Richter's attention turned to abstract art in the form of drawings and lacquer paintings, but also room-filling installations.
The exhibition presents a broad cross-section of his work. From landscapes to portraits to current abstract works, we present the works of the Berlin artist.
The interplay of European and African art can be experienced in the joint exhibition of the two artists.
The exhibition is open Mondays from 11 am to 4 pm and Thursdays from 2 pm to 6 pm. Other appointments are possible by telephone arrangement.
Sie können jederzeit einen Termin mit uns vereinbaren.
You can make an appointment with us at any time.
Rufen Sie an: +49 176 34 96 83 36
Solo ・Kleiner Saal
Sebastian Menzke
Ausstellung in der Ausstellung
Mario Dalpra
Rayk Goetze
Christian Hahn
Marlet Heckhoff
Jürgen Jansen
Galerie Kristine Hamann
15.–28. September 2021
Im Zentrum der aktuellen Ausstellung steht die Werkreihe -masami- von Sebastian Menzke. Seit der Katastrophe rund um die Atomreaktoren von Fukushima in 2011 greift Sebastian Menzke dieses Thema immer wieder auf. Die Auswirkungen der Kernschmelze und der radioaktiven Emissionen haben tiefe Spuren in uns allen hinterlassen und stehen heute beispielhaft für die Gefahren von Katastrophen dieser Größenordnung und den Umgang der Menschen damit.
Sebastian Menzke sucht die Analogien in Einzelschicksalen. Dieses Mal ist es die Geschichte des Rinderzüchters Masami Yodhizawa, die den Künstler inspiriert hat. Sein Hof liegt nur 14 Kilometer vom Ort der Katastrophe. Trotzdem weigert er sich, seine Tiere zu schlachten und bietet ihnen stattdessen ein angenehmes Leben. Nach der Explosion im Reaktor 1 des Kraftwerks, weisen die Rinder plötzlich weiße Stellen im Fell auf, Flecken, die die Rinder nie zuvor hatten.
„Diese Art der Veränderung greife ich in der neuen Werkreihe auf. Die zugrunde liegende Strahlung breitet sich langsam aus. Abstrakte homogene Flächen werden durch leuchtende Fehlstellen zersetzt und arbeiten sich langsam an die Oberfläche. Am Ende fließt alles ins weiß, ins Licht, ins Nichts.“ beschreibt der Künstler seine eigenen Arbeit.
Die Werkreihe ist streng gehalten und hat einen zeitlosen Charakter, eben so zeitlos wie die Katastrophe. Ergänzt wird die Ausstellung durch dreidimensionale Epoxidharzarbeiten von Sebastian Menzke und Skulpturen von Mario Dalpra sowie Gemälden weiterer Künstler der Galerie, die in wechselnder und dynamischer Hängung gezeigt werden. Zu sehen sind hier unter anderem Werke von Rayk Goetze, Christian Hahn, Marlet Heckhoff und Jürgen Jansen.
Die Ausstellung ist Montags von 11 Uhr bis 16 Uhr und Donnerstags von 14 Uhr bis 18 Uhr geöffnet. Nach telefonischer Vereinbarung sind auch andere Termine möglich.
The current exhibition focuses on the series of works -masami- by Sebastian Menzke. Since the catastrophe around the nuclear reactors in Fukushima in 2011, Sebastian Menzke has taken up this theme again and again. The effects of the meltdown and the radioactive emissions have left deep traces in all of us and today exemplify the dangers of disasters of this magnitude and how people deal with them.
Sebastian Menzke looks for analogies in individual fates. This time it is the story of the cattle farmer Masami Yodhizawa that inspired the artist. His farm is only 14 kilometres from the site of the disaster. Nevertheless, he refuses to slaughter his animals and instead offers them a comfortable life. After the explosion in reactor 1 of the power plant, the cattle suddenly have white patches in their fur, patches that the cattle never had before.
"I pick up on this kind of change in the new series of works. The underlying radiation spreads slowly. Abstract homogeneous surfaces are decomposed by luminous imperfections and slowly work their way to the surface. In the end, everything flows into white, into light, into nothingness," is how the artist describes his own work.
The series of works is austere and has a timeless character, just as timeless as the catastrophe. The exhibition is complemented by three-dimensional epoxy resin works by Sebastian Menzke and sculptures by Mario Dalpra as well as paintings by other artists from the gallery, which are shown in a changing and dynamic hanging. Works by Rayk Goetze, Christian Hahn, Marlet Heckhoff and Jürgen Jansen, among others, can be seen here.
The exhibition is open Mondays from 11 am to 4 pm and Thursdays from 2 pm to 6 pm. Other appointments are also possible by telephone.
verlängert
3XSOLO I GALERIE KRISTINE HAMANN
4. Juli–31. August 2021
Galerie Kristine Hamann
Schweinsbrücke 11
23966 Wismar, Germany
Donnerstag, 5. August 2021
Freitag, 6. August 2021
14 Uhr–19 Uhr
Sie können jederzeit einen Termin mit uns vereinbaren.
You can make an appointment with us at any time.
Die Preisauskunft zu den Werken von Mario Dalpra, erhalten Sie über die Anfrage oder direkt bei uns dort Ort.
Die Preisauskunft zu den Werken von Mario Dalpra, erhalten Sie über die Anfrage oder direkt bei uns dort Ort.
Fotokunst
MARTIN BADE I GALERIE KRISTINE HAMANN I 10.5.–9.6.2021
VERZEICHNET
SALEROOM
Galerie Kristine Hamann
Schweinsbrücke 11
23966 Wismar, Germany
Mit der neuen Ausstellung „Verzeichnet“ lenkt die Galerie Kristine Hamann die Aufmerksamkeit auf einen Künstler, der sich einem bestimmtem Genre nicht eindeutig zuordnen lässt. Genau das macht den in Lübeck lebenden Konzeptkünstler Martin Bade so spannend. Bisher bewegt sich Bade vorrangig in den Medien Zeichnung, Objekt, Fotografie, Grafik sowie im Bereich digitale Medien. Beeinflusst wurde er unter anderem von Marcel Duchamp, Joseph Heinrich Beuys und Lutz Dammbeck.
Martin Bade sucht nach formal unterschiedlichen Methoden, um einen kreativen Impuls experimentell weiterzuentwickeln, bis sich eine eigene Struktur herauskristallisiert, die in sich geschlossen scheint. Seine Arbeiten sind Gestalt gewordene Auseinandersetzung mit den vielfältigsten, ihn schon lange begleitenden Materialien, ebenso mit den mannigfaltigsten Formen des Erlebens. Die Gestaltungsästhetik von Bade wird überwiegend durch Technik und Material bestimmt. Neben den Zeichnungen auf Papier mit Tusche verwendet er als Material seiner Arbeiten teils auch den scheinbar nutzlos gewordenen Zivilisationsmüll, dem wir tagtäglich begegnen. Und zwar „Abfall“ eher im ursprünglichen, wertneutralen Wortsinn: als Rest, der am Ende übrig bleibt, als „etwas, das abfällt“. Auch Bade begreift dieses „Abgefallene“ weder als wertlosen noch als besonders wertvollen Rest. Doch gerade weil diese Dinge nach konventionellem Maßstab eher fehlerhaft, misslungen oder verbraucht erscheinen, setzen sie für Martin Bade unvorhersehbare Dynamiken frei.
So entstehen viele verschiedene Werkreihen, die ihn dann für einige Zeit bewegen und beschäftigen: Zeichnungen, Fotografien und experimentelle Objekte, von denen die Ausstellung exemplarisch einige Werke zeigt. Immer wieder greifen dabei Ideen ineinander, werden weiterverarbeitet und teilweise sogar ad absurdum geführt.
Das Werk „Oma’s tetraeder“ beispielsweise: eine Pyramide, aus zahlreichen Aluminiumkugeln bestehend, wird von einem Billard-Dreieck – US-amerikanischen Fabrikats aus den sechziger Jahren – eingefasst. Das Dreieck ist eines der wenigen Stücke, die Bade von seiner Oma geerbt hat. Die Kugeln fanden sich zufällig in dem Dreieck wieder und so nahm das Werk seinen Lauf.
Oder die kleinen Tuschezeichnungen, mit einer Blattgröße von H 21 x B 29 cm, von denen fünf in der Ausstellung zu sehen sind: Sie zeigen, wie sich Bade spielerisch Narrativen nähert. Sie bestehen aus minutiösen Formen, wie Punkten und Strichen. Der Titel der Ausstellung „Verzeichnet“ gibt einen Hinweis auf das assoziative Vorgehen.
Ebenso sind in der Ausstellung zwei Exemplare der Druckserie „Satellitescapesnapshots“ zu sehen. Sie entstanden aus einer digitalen Collage, auch Composite genannt. Hier komprimierte Bade mehrere Bilder eines Animationsfilms zu jeweils einem Bild. Zahlreiche Linien und grafische Elemente wecken die Assoziation zu futuristischen Welten.
Und letztendlich das am meisten abweichende Werk der Ausstellung mit dem Titel „Der Riss in der Rue Verde“, eine Fotocollage. Ein Stück Fleisch schwebt hier surreal vor einer Hausfassade. Auf dem Fleisch sehen wir eine Textpassage aus Jean-Paul Sartres Roman „Der Ekel“.
Man kann nur mutmaßen. Aber vielleicht liegen Fragen wie die folgenden der Kunst Martin Bades zugrunde: Was filtern wir aus Informationen und komplexen Sachverhalten heraus, was bleibt am Ende übrig? Und wie wirkt sich die Verarbeitung der Informationsflut auf uns Menschen aus? Sicher könnte Bade selbst noch viele weitere Fragen formulieren. So wie wir als Betrachter seiner Werke.
Martin Bade studierte Freie Kunst / Digital Media / Media Arts an der HBKsaar, Saarbrücken. Diverse Ausstellungen im Inland machten ihn einem ausgewählten Publikum bekannt. Er lebt und arbeitet in Lübeck. Dies ist seine erste Ausstellung in der Galerie Hamann.
Text: Kristine Hamann, 2021
With the new exhibition "verzeichnet" the Kristine Hamann Gallery is drawing attention to an artist who cannot be clearly assigned to a particular genre. This is exactly what makes concept artist Martin Bade so exciting. So far Bade has worked primarily in the fields of drawing, object art, photography, graphics and digital media.
He has been influenced among others by Marcel Duchamp, Joseph Beuys, and Lutz Dammbeck.
Martin Bade experiments with various forms in order to develop a creative impulse that allows a self-containing structure to emerge on its own. His works are a formative examination of extremely diverse materials and personal experience. Bade's design aesthetics are mainly determined by information, technology and material. In addition to drawing on paper with ink, he uses our seemingly useless, everyday, civilizational garbage as material for his work. In fact, "waste" appears in the original, value-neutral sense of the word as a remnant left over at the end, as "something that falls away". Bade does not see this "waste" as either worthless or particularly valuable. But precisely because such things seem flawed, unsuccessful or worn-out by conventional standards, for Martin Bade they release unpredictable dynamics.
As a result, widely varying series of works emerge which move and occupy him for quite some time: drawings, photographs, experimental objects - some examples of which are shown in the exhibition. Again and again ideas intertwine, are further processed, and sometimes are even taken ad absurdum.
The work "Grandma's Tetrahedron" ("Oma's Tetraeder"), for example: a pyramid consisting of numerous aluminium balls is framed by a billiard triangle likely made in the USA in the Sixties. The triangle is a piece that Bade inherited from his grandmother. The balls found themselves in the triangle by chance, and so the work took its course.
Or the small ink drawings with a sheet size of H21 x W29 cm, five of which can be seen in the exhibition. They show how Bade approaches narratives in a playful way. The drawings consist of meticulous shapes of dots and lines. The title of the exhibition, "Verzeichnet" - which can also mean "Distorted" - gives an indication of the associative approach.
Two copies of the "satellitescapesnapshot" print series are also represented in the exhibition. They were created in a digital environment, you could call them composites. For each work Bade compressed several images from an animation film into a single image. Numerous lines and graphic elements evoke associations with futuristic worlds.
And finally, the most unique work in the exhibition, entitled "The Rift in the Rue Verte" ("Der Riss in der Rue Verte") - a photo collage. Here a piece of meat floats surreally in front of a house façade. On the meat we see a text passage from Jean-Paul Sartre's novel "Nausea".
One can only speculate. But perhaps questions like the following underlie the art of Martin Bade: What do we filter out of information and complex issues? What is left over in the end? How does processing the information flood affect us humans? Bade could certainly formulate many more questions himself - just like we do as viewers of his works.
Martin Bade studied fine art, digital media and media art at HBKsaar, Saarbrücken. Various exhibitions have made him familiar to a select audience. He lives and works in Lübeck. This is his first show at the Hamann Gallery.
Text: Kristine Hamann, 2021
Die Ausstellung “Graphics and Sensuality” zeigt eine Auswahl sehr aktueller Werke und Werke der letzten Jahre, anhand derer man die vielseitige Arbeitsweise des Berliner Künstlers verstehen und nachvollziehen kann sowie die übergeordnete Idee seines Schaffens sichtbar wird.
Sebastian Menzke kombiniert in seinem Werk traditionelle Malerei und Grafik, die er quasi übersetzt in zeitgenössische Positionen.
„Ich erforsche die Verbindung zwischen technischer und sinnlicher Bildherstellung und strebe danach, den Künstlern der historischen Avantgarde eine Referenz zu erweisen.“
Seinem künstlerischen Streben und Schaffen liegt vor allem eine Frage zugrunde: Wie hat sich die Malerei über die Zeit hinweg entwickelt? Oder konkreter: An welchen Ideen haben sich Künstler vergangener Jahrhunderte bis heute abgearbeitet? Eine der großen künstlerischen Ideen ist dabei das Arbeiten in Schichten, ob nun mittels Eitempera, Ölfarben oder unterschiedlichster Collagetechniken und -materialien.
Vom Farbauftrag auf der Leinwand bis zur letzten Schicht haben so die alten Meister der vergangenen Jahrhunderte leuchtende und extrem haltbare Werke geschaffen. Den gesamten Prozess der Schichtung verschiedener Ebenen transportiert Menzke in die heutige Zeit. Er macht ihn transparent und für den Betrachter nachvollziehbar. Wenn man seine verschiedenen Werkreihen nebeneinander betrachtet, wird stets aufs Neue diese künstlerische Grundidee deutlich.
Menzkes Werke reichen von Ölgemälden mit grafischen Elementen über Ölgemälde, die mit einer leichten Epoxidharzschicht überzogen sind, bis hin zu Objekten, wo die Schichtung eine Überhöhung erfährt. Vor allem für Letztere hat der studierte Produktdesigner den Werkstoff Epoxidharz für sich entdeckt. Der klare und durchsichtige Harz lässt jede Bildschicht transparent erscheinen. Bei genauem Betrachten erkennt man die vielen Ebenen, die entweder gemalt sind oder collagenartig mit einem speziellen Verfahren aufgetragen wurden. Doch nicht nur von den Techniken her, sondern auch die Bildsprache betreffend, arbeitet Sebastian Menzke mit Versatzstücken der Kunstgeschichte. Und da er ursprünglich aus der Street Art stammt, sind auch die Ausdrucksformen von Graffiti deutlich erkennbar.
